La década de los años 1960, ha sido de las más significativas para la historia de la música. Fueron demasiados grandes que nacieron y se dieron a conocer en estos 10 años que lo cambiaron todo, y hoy en día siguen sonando tan bien como entonces, incluso mejor. Fueron dioses musicales, de los que cuesta que volvamos a ver, y entre ellos en una posición muy prestigiosa se encuentra Pink Floyd.
Surgió en 1964 a partir de una banda llamada Sigma 6, que cambió su nombre sucesivamente a T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs. Cuando la banda se separó, algunos de sus miembros (los guitarristas Bob Klose y Roger Waters, el batería Nick Mason y el teclista Rick Wright) formaron una nueva banda llamada Tea Set. Después de un breve tiempo con Chris Dennis como vocalista principal, el guitarrista y vocalista Syd Barrett, se unió a la banda, con lo que Waters pasó a tocar el bajo. En el verano de 1965, Bob Klose se vio forzado a abandonar la banda por las presiones de sus padres y de sus profesores universitarios, y el grupo se convirtió en un cuarteto, con Barrett, Waters, Wright y Mason. De este modo, Barrett se reveló como el principal compositor del grupo, y pronto comenzó a escribir nuevas canciones con influencias del rhythm and blues de Bo Diddley. En 1966 provocó el auge del rock psicodélico, un género musical en el que Barrett se sentía más a gusto.
Podríamos dividir, sin ser completamente justos, la historia de Pink Floyd en tres eras: la más psicodélica y espacial, la más sinfónica y la más progresiva, con muchos elementos de Blues.
A medida que crecía el consumo de drogas (especialmente de LSD) hicieron estragos en la salud mental de Syd Barrett. Su conducta se volvió cada vez más impredecible, lo que afectaba a las presentaciones en público del grupo. Por esto, en diciembre de 1967 el grupo llamó a un músico amigo de Barrett, David Gilmour, para apoyarlo en la guitarra y cantar.
Ya sin la presencia de Barrett en la formación, Gilmour, Waters y Wright se hicieron cargo de las riendas creativas del grupo.
El sonido psicodélico de Pink Floyd no murió con la salida de Barrett; aunque la banda cambió su estilo en la siguiente era. Gilmour y Waters siempre buscaban nuevos sonidos.
Uno de los primeros usos del calificativo “progresivo” en el rock se enmarca dentro de los desarrollos derivados de la psicodelia tardía. Grupos como Pink Floyd, Soft Machine, Love, Frank Zappa, ya planteaban caminos alternativos fundamentados, sobre todo, en extensas improvisaciones a partir de secuencias rítmicas mantenidas de forma constante o pasajes de carácter atmosférico que permitían a los instrumentistas una mayor experimentación tímbrica.
La siguiente época vendría muy marcada de forma personal e íntima de uno de sus integrantes, que dejó libre su lado más artístico, y Floyd pasó de ser una agrupación que podías intentar encasillar en uno o dos estilos musicales, a arte en su forma más pura, una ópera, un relato contado con música, con sentimiento, emoción, e historias trágicas, llenas de melodías tristes, alegres, con ira, con fuerza.
La revelación de Roger
La épica ópera rock The Wall vio la luz en 1979. Un disco inspirado tanto en la niñez de Roger, y por ello, uno de sus discos más íntimos, como en Barret. Está basado en la historia de la vida del personaje "Pink" En su niñez, es Waters, un niño que sufre la pérdida de su padre durante la Segunda Guerra Mundial, y que intenta ser amoldado acorde a la sociedad por profesores opresores y lava cerebros. Al ser adulto, Pink es Barrett, un artista que abusa de las drogas y se pierde en su soledad, depresión y adicción. Todos los acontecimientos del disco que también eran representados en el escenario de las giras, algo que hoy en día continúa haciendo Roger Waters. Compuesta casi en su totalidad por él, trata los temas de la soledad y la falta de comunicación, expresados por medio de la metáfora de un muro, construido entre el músico y el público.
Roger ideó este formato una noche en Montreal, donde perdió el control. Fue el 6 de julio del 77´, en el Olympic Stadium , la noche final de la gira de Animals, delante en el campo, había un fan que no paraba de gritar mientras el bajista le hizo señas para que se acercara al escenario. Luego lo escupió. “Fue una actitud fascista” confeso Roger. “No sentía conexión con el público. Ya no eran gente. Sentí una barrera enorme entre ellos y lo que yo estaba tratando de hacer. Y se me había vuelto casi imposible treparla”.
El incidente de la escupida le dejo un estupor, y lo hizo pensar en por qué miraba a sus propios fans y les preguntaba “¿Hay alguien ahí? Fue el escupitajo más significativo de la historia del rock. Waters tomo esta alienación y la convirtió en su declaración más personal. The Wall fue el disco en el que descargó toda su hostilidad antisocial.
El álbum fue producido por Bob Ezrin, un amigo de Waters, quien impuso sus dotes artísticos y su liderazgo sobre la banda, usando la precaria situación económica de la banda a su favor, lo que enseguida desembocó en numerosos conflictos entre los integrantes.
Este álbum permaneció quince semanas en el número uno de las listas estadounidenses. Fue alabado por la crítica, y consiguió 23 discos de platino, vendiendo 11,5 millones de copias en los EE. UU.
Como secuela se publicó en 1982 la película Pink Floyd: The Wall, cuya banda sonora está formada por la mayoría del contenido de The Wall. La película, escrita por Waters y dirigida por Alan Parker, tiene como actor protagonista al fundador de The Boomtown Rats, Bob Geldof, quien regrabó muchas de las partes vocales originales del álbum. La animación de la misma corrió a cargo de Gerald Scarfe.
Las torturas mentales en The Wall, proceden de las torturas sociales y no al revés. La crítica y la propuesta en The Wall se centran en el ámbito de la convivencia social y sus ideas. Roger y Bob Erzin el co-productor, agregaron en el disco efectos de estudio para ilustrar la desintegración mental de la estrella de rock en una sociedad represora
Un pequeño pinchazo
“Comfortably Numb” es una de las canciones que aparece por primera vez en el álbum doble de 1979 The Wall
La mayoría de las canciones de este album fueron escritas por Waters, pero la música fue escrita por David Gilmour, quien básicamente hizo la demo instrumental durante la grabación de su primer álbum como solista, con el deseo de encontrar un uso posterior. Gilmour más tarde trajo sus grabaciones de demos a las sesiones de “The Wall”. En la demo original de Gilmour, aunque no había letra, cantó una melodía cercana a la versión final del coro. Pero los versos estaban en la clave de Mi menor (una progresión de Mi menor, Mi mayor, Do mayor, Mi menor y Mi menor de nuevo), en vez de Si menor, como en la versión final. Además, la demo no contenía la secuencia de acordes para la línea de estribillo final “I have become comfortably numb”. Entonces, aunque la música es ampliamente considerada como el trabajo de Gilmour,
Mientras que muchas personas pensaban que la canción era sobre drogas, Waters insiste en que no es así. Las letras son sobre lo que sintió cuando estaba enfermo con fiebre en su infancia. Como adulto, volvió a sentir esa sensación de nuevo, entrando en estado de delirio, donde se sintió de cierta manera desconectado de la realidad.
Él explicó:
“Recuerdo haber tenido gripe o algo así, con una infección, y aparte una temperatura altísima, y estaba delirando. No era como si las manos “parecieran globos”, pero si parecían demasiado grandes, atemorizantes. Mucha gente piensa que esas líneas son sobre la masturbación. Dios sabe por qué”.
No hay ningún vídeo musical en “Comfortably Numb”, pero un fragmento de la película “Pink Floyd – The Wall” a menudo se cuenta como un vídeo musical oficial de esta canción. La escena del avivamiento (en la película), está entrecortada por flashbacks de la infancia de Pink. Después de inyectar un medicamento en el brazo de Pink, los paramédicos sacan a Pink del hotel.
Mientras es arrastrado por los pasillos del hotel hasta la limusina, la droga hace que Pink alucine que su cuerpo está cubierto por gusanos, como si su cuerpo se estuviese desintegrando.
Al ser empujado a la limusina, Pink se arranca esta piel enferma para revelarse con ropas militares, y ahora parece muy limpio y tiene el control de su entorno.
La letra de la canción presenta la interacción entre un médico que trata a un Pink adulto (versos cantados por Waters) y el monólogo interno de Pink (coro, cantado por Gilmour).
La mezcla de “Comfortably Numb” en la película es muy parecida a la versión del álbum, excepto que el órgano de Richard Wright antes del solo final de David Gilmour es eliminado, el bajo es más prominente y los gritos de Pink (interpretados por Roger Waters) se incluyeron, mientras se abre paso con garras fuera de su caparazón. Además, la canción de la película tiene una línea adicional al principio, “¿Hay alguien allí?”, esta suena cuando los asociados de Pink entraron en la habitación de su hotel
"Comfortably Numb, no sólo aparece como un punto de equilibro crítico en el álbum The Wall, sino que logra evocar la fenomenología inconspicua de esa experiencia cuyos horrores metafísicos se extralimitan por la lejanía del cuerpo, horrores que fulminan sin más las redes próximas a la memoria. Esta pieza logra delinear ese acontecer que se dispersa en una nostalgia felizmente alcanzada: no sólo describe en su actualidad el quiebre idealista de una develación siempre afirmada, a partir de una experimentación musical de auto-destrucción sublime y coherentemente ejecutada, sino que incluye significativamente el conflicto histórico de su propia patología. Pone de relieve el vitalismo de un cuerpo reventado en mil pedazos, de un cuerpo cuya esencia chorrea: es la experiencia de una existencia que se ha fragmentado en el cristal de su aparente inocencia, y que ha podido desconocerse a sí misma.
Los versos subsisten del diálogo externo que ocurre alrededor de un Pink bastante desorientado y están representados por una falta de resolución musical, mientras que los acordes del coro, que abarcan los pensamientos personales de Pink, se resuelven completamente.
El camino hacia la luz
En los términos que musicalizan su propia articulación, ya desde el primer párrafo de su contenido, el diagnóstico que se proscribe en Comfortably Numb apela neciamente por esa unidad primordial, pero nunca sin esgrimir la curva de sus sarcasmos. De inicio, algo irrumpe con su armonía: algo ha sucedido ya desde el comienzo. Es algo que de hecho está sucediendo: es el eco-fantasma alargado de una voz que asciende de forma estremecedora, y que nos lanza un terrible saludo.
Todo comienza con el verso con cuatro acordes en una línea descendente, esto se asemeja a una técnica bastante común donde caminamos por la escala, pero en comfortably numb hacen algo un poco diferente, en el tercer compás es de esperar que este la línea nos lleve a terminar en el acorde quinto (dominante), pero en cambio salta directamente a la cuarta (subdominante). El bajo todavía camina a través de la quinta, aunque, lo que está claro esto es una omisión intencional.
La progresión de cuatro acordes que constituye el estribillo de esta canción está organizada en forma de secuencia descendente de una progresión de cuartas descendentes (D re-A la y C do-G sol) que podría analizarse como I-V-bVII-IV. De la inestabilidad del Do-Do# resulta una cierta ambigüedad tonal, que nos hace escuchar D re-A la como I-V de Re mayor y C do-G sol como IV-I de Sol mayor.
La quinta es la función dominante. Esto significa que se dirige de nuevo al origen de la escala, que le da una sensación muy fuerte de resolución y el verso de “Comfortably Numb” no quiere darle sentido fuerte de nada, el cuarto menor , todavía puede resolver una especie de vuelta al acorde primero (fundamental) en lo que a veces se llama una cadencia plagal.
La música de los estribillos es lenta hasta encontrarse con los coros y algunos hasta la califican deprimente, yo la interpreto más bien como oscura, misteriosa y hasta escalofriante por lo seco de las voces en los diálogos. Los coros son el despegue, a pesar que cada acorde se desempeña el doble de tiempo, hay una gran cantidad de cambios aquí empezando por la tonalidad: el verso era en Si menor (Bm) y mientras que podíamos analizar teóricamente el coro en esa tonalidad también tiene mucho más sentido si pensamos en Re Mayor, en ese lugar que puede sonar como un gran cambio, pero en la práctica no lo es , porque Si menor (Bm) y Re Mayor (D) tiene exactamente el mismo conjunto de notas, solo que los utiliza de forma diferente.
La quinta y la primera están profundamente funcionales. Y esa yuxtaposición es importante para la canción. El verso es menor y no funcional, representando al lejano médico forzando a Pink a tomar medicamentos en contra de su voluntad, mientras que el coro es, a la vez, importante y funcional representando el monólogo interior de Pink. Sus pensamientos son claros, pero el mundo exterior, incluyendo el médico, son muy lejanos.
Estos son seguidos por los increíbles solos de guitarra de Gilmour. “El niño creció, el sueño se fue. Y yo me he vuelto confortablemente insensible”. Al término de esta frase se da inicio a uno de los mejores solos de la historia del rock, un inspiradísimo David Gilmour tocando perfectamente de traste a traste con hammer-ons, pull-offs, slides.
El primer solo está luego del primer coro y es por decirlo de alguna manera corto y dulce. El segundo, por el contrario, se produce después del segundo coro, y es largo maravillosamente expresivo, todas las notas extraídas de la escala de blues de Si menor SI-RE-MI-FA-FA SOSTENIDO-LA-SI (B-D-E-F- F#-A B) Opción clásica para los solos en tonos menores, tiene un sonido emocional y trae la suficiente disonancia en todos los lugares correctos.
El solo aprovecha muy bien el pulso lento de la canción y puede dividirse en 3 secciones, al principio Gilmour está tocando lento y bajo, y está lleno de notas largas y mantenidas para dar énfasis, utiliza el bend, (cuando se toca una nota , a continuación, se tira de la cuerda hacia abajo, incrementando el aumento de la tensión en la cuerda, elevando el tono). Esto está en todo el solo, el espacio vacío que deja esas notas largas y mantenidas ayuda a jugar con el sedado casi anestésico tema de la canción, pero luego a través de la progresión, empieza a retomar el ritmo, tocando frases densas y más notas por compás. Esto construye la energía, pero mantiene el rango de notas bastante bajo, dándole espacio para levantar en la tercera sesión, donde finalmente se adhiere a las notas altas. Esta estructura le da al solo un principio distinto, medio y final y esto mantiene las cosas interesantes en todas partes, lo que es impresionante, dado que dura como dos minutos. La reverberación el tono de la guitarra está empapada de ella, y realmente añade al espacio y una sensación distante al solo. El fundido de salida al final es espectacular porque el solo queda en una especie de deriva, sin terminar para siempre. Lo deja a nuestra imaginación.
Sin dudas Pin Floyd, fue, es, y será, una de las increíbles bandas, que revoluciono la música, y nos tele transporta a otro universo.
“El niño, ha crecido, el sueño, se ha ido y yo, me he quedado Plácidamente adormecido”…
Pink Floyd.
Datos Curiosos
David usó una Guitarra Fender Stratocaster, Strat Negra para los dos solos. Esta fue la guitarra principal durante la mayor parte de su carrera temprana. Esta guitarra ha sufrido numerosas modificaciones a lo largo de los años. Lo primero y más importante, ni siquiera era originalmente negra, fue repintado sobre su acabado original. En los años 70, David ajustó esta guitarra con un mástil de palo de rosa, pero más tarde fue reemplazada por el cuello de arce de Charvel con un logotipo de Fender en 1978. También instaló el conector XLR, Es un tipo de conector que suele conectarse en líneas balanceadas. “XLR” son las siglas en inglés de eXternal Line Return, en español “Línea de Retorno Externa”, para reducir el ruido. No del todo satisfecho con los resultados, decidió instalar una pastilla Gibson PAF en la posición media, para esto requirió taladrar algunos agujeros en la guitarra. Instaló unas pastillas DiMarzio FS-1 en la posición del puente, y más tarde lo reemplazó con Seymour Duncan SSL-1. Todas las partes acústicas se tocaron con una guitarra de cuerdas de acero Ovation 1619-4 con la llamada afinación de Nashville o afinación de cuerdas altas, siendo las cuerdas A(LA) , D (RE) y G (SOL) las cuerdas más altas de un conjunto de 12 cuerdas.
Roger por su parte utilizo el bajo de Fender Precision Bass Black, Originalmente con un mástil de palisandro, este bajo fue modificado con un mástil de arce entre 1970-72, y se volvió a cambiar de nuevo con el cuello de arce Charvel en 1978.
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